Tim Burton acertou de novo e não é à toa que o cara se tornou uma grife do cinema: Sweeney Todd faz jus a sua atual fama. Seguindo a linha timburtoniana, a trama se desenvolve entre ratos e esgotos, numa Londres tenebrosa e suja do século XIX, onde o olho por olho, dente por dente estava mais em voga do que as perucas e as carruagens. Apesar dessa clima, o barbeiro Benjamin Barker (Johny Deep, sempre) vive uma vida de sonho com sua linda esposa Lucy (Laura Michelle Kelly) e sua filhinha, Johanna (Jayne Wisener, quando adolescente). Porém, o sétimo mandamento é desrespeitado pelo Juiz Turpin (o ótimo Allan Rickman) e ele ordena que Barker seja preso para conquistar Lucy. Quinze anos depois, sob o nome falso Sweeney Todd, Barker volta a Londres para vingar-se de todos que tanto mal lhe fizeram. Para tanto, utiliza suas antigas ferramentas de trabalho, as navalhas. Com a ajuda da Sra. Lovett (Helena Bonham Carter, mais uma figurinha carimbada de Burton), dona de uma quase falida loja de tortas, ele começa a arquitetar e executar seu plano diabólico.

Confesso que não gosto de musicais, acho maçante aquele povo todo cantarolando para cada acontecimento, seja uma gota de chuva, seja um moinho rodando em vermelho. Porém, Burton fez um trabalho muito bom nesse musical macabro. A fotografia escura e deprimente, as pessoas com aspecto sujo, os histrionismos dos personagens, marcas registradas de Burton, couberam como uma luva para o estilo musical. Todos os atores cantam muito bem, os atores foram escolhidos a dedo para suas atuações e, apesar de um pouco cansativo (para mim, que não gosto de musicais), vale a pena pela obra do diretor.

PS.: Uma maldadezinha, se me permitem: Johny Deep está no melhor estilo Cruela (101 Dálmatas) com seu cabelinho de mecha branca.

Fui assistir Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country For Old Men, EUA, 2007), com ingressos que ganhei de um amigo e posso dizer que não odiei o filme, apesar de ter achado muito grotesco ao ver seu trailler antes d’O caçador de pipas. Não é o tipo de filme “ame-o ou deixe-o”, pois tem alguns méritos, um deles é fazer pensar. Uma pergunta de um casal saindo do cinema foi hilário: “será que somos burros, ou o filme não tem pé nem cabeça?”. A primeira vista, essa é a nítida impressão que o filme dá, que Joel e Ethan Coen (diretores e adaptadores de roteiro) simplesmente esqueceram o início e o fim do filme. Porém, dois dias depois, pensando, posso dizer que considero um filme bom.

A atuação dos atores, porém, é realmente digna de menção: Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Josh Brolin e Carson Wells, bem como os coadjuvantes. O filme, baseado no romance de Cormac McCarthy, traz a história de Llewelly Moss (Josh Brolin), um caçador que encontra, em meio aos corpos de traficantes em guerra, uma valise com milhões de dólares. O suposto dono da valise encomenda a cabeça de Moss e o incumbido da tarefa é Anton Chirurg (Javier Bardem), um psicopata que costuma não deixar vivo quem encontra pela frente. Na linha de fogo está o velho xerife da cidadezinha de Moss, Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) que busca duas coisas: ter esperança no ser humano e salvar Llewelly Moss.

A temática psicopata-mocinho-polícia não é muito nova, mas a maneira na qual foi montado o filme (fotografia, trilha sonora (?!?), preparação de atores, cenografia) é bastante original. Nada de extraordinário, mas também não se pode dizer que não houve inovação.

Se vale a pena? Quem quiser, pague para ver…

Curiosidades: Este filme tem oito indicações ao Oscar (Filme, Diretor, Ator Coadjunvante (?!?) (Javier Bardem), Roteiro Adaptado, Fotografia, Montagem, Edição de Som e Efeitos Sonores), além de ter faturado a o prêmio britânico BAFTA e a prévia do Oscar, o Globo de Ouro, também como melhor ator coadjuvante.

Vielen Dank, Berlinale! Der Goldene Bär macht uns glücklich!

Após uma repercussão bastante polêmica na sua apresentação oficial ao mundo (ao ponto da revista americana Variety chamá-lo de fascista), Tropa de Elite levou o Urso de Ouro, prêmio de melhor filme no Festival Internacional de Cinema de Berlim, batendo o aclamado Sangue Negro e outros dezenove títulos. A estratégia usada pelos seus agentes internacionais, de tirá-lo do Festival Sundance e colocá-lo na fila de Cannes, após ser preterido pela Academia frente a “O ano em que meus pais saíram de férias”, outro filme que já comentei aqui e que, infelizmente, nem chegou aos finalistas do Oscar.

Ao ouvir as polêmicas, o diretor José Padilha agiu como há muito tem agido e com toda a razão: disse não se importar com as críticas negativas (de violência gratuita e facismo) e que se importa, na verdade, se o filme fez as pessoas pensarem. Para acompanhar o diretor, Wagner “Olavo-Nascimento” Moura foi escalado para dar aquela força. Wagner, por sua carreira em ascensão e suas atuações na novela Paraíso Tropical e no filme premiado foi eleito o homem do ano pela opinião pública. Humilde e muito batalhador, Wagner “Ramos” Moura galgou rapidamente as escadinhas da fama e hoje se firma como um ótimo ator entre a nova geração de artistas.

Não sei se merecido o prêmio, mas depois do jejum de 10 anos (desde Central do Brasil não ganhávamos o Berlinale), é sempre muito bem-vindo.

Filmes passados em São Paulo são em geral bastante surpreendentes: de um lado podem ser muito bairristas e em outro bastante cosmopolitas. Os últimos que vi e que valem a pena são Nina (2004, direção de Heitor Dhalia) e sua estética pop-expressionista e o Signo da Cidade (2007, de Carlos Alberto Ricelli). Com roteiro original de Bruna Lombardi, o filme traz a história de Teca (Bruna Lombardi), astróloga que tem um programa de rádio. Entre seus consulentes, pessoas comuns que vivem na metrópole paulistana, com suas dores e seus anseios. A busca incessante pelo caminho certo, a tentativa de subir na vida ou de encontrar a alma gêmea são entremeados pelas palavras da bela radialista. Mônica (Graziella Moretto) rouba muitas vezes a cena, com seu jeito hilário e paulistano de ser, na pele da bem-de-vida-wannabe e assistente de Teca na rádio. Continue lendo →

Os últimos dois filmes que assisti me fizeram pensar sobre o cinema e suas intenções. A sétima arte foi criada para muitos propósitos, um deles é a diversão e a reflexão de outras vidas (como o teatro e a literatura, por exemplo) e, por isso mesmo, tem várias faces. Antes de continuar comento os dois últimos filmes mencionados.

A Espiã (Zwartboek, Holanda-Alemnha-Bélgica, 2006), de Paul Verhoeven traz mais uma história sobre o nazismo, porém na visão de uma mulher. Rachel Stein, judia, perde seu esconderijo num bombardeio e parte para o sul da Holanda, por intermédio de um “bom samaritano” que por uma módica quantia se propõe a enviar judeus para uma região onde os nazistas ainda não chegaram. Porém, o transporte utilizado é encontrado pelos nazistas e todos são dizimados, menos a nossa heroína. Encontrada por um grupo rebelde, é levada para o esconderijo e adota o nome Ellis de Vries, com o objetivo de se aproximar de um oficial da SS (polícia secreta alemã) e servir de espiã dentro do núcleo nazi. Filme que mostra, além das agruras da guerra, a confusão de sentimentos de alguém que sofre os horrores da Segunda Grande Guerra. O tema parece batido, mas o filme vale muito a pena.

Em Paris (Dans Paris, França, 2006). Paul e Anna, casal moderno, resolvem sair de Paris e viver no interior. Um ano de instabilidade depois, separam-se e Paul volta a viver com seu pai, o aposentado Mirko, e seu irmão mais novo, o mulherengo Jonathan. No dia 24 de dezembro Jonathan acorda e resolve contar a história de sua família e aceita o papel de coadjuvante narrador do filme. Encontros é a palavra certa para definir os atos desse filme. A música incidental, jazz da melhor qualidade, acompanham e dão mais cor aos personagens. O diretor Christoph Honoré cria um filme sobre tristeza, mas não é um filme triste, muito pelo contrário. Mostra que na cidade dos amantes, os mal-amados têm muito mais a dizer do que os primeiros. Que o amor em Paris paira no ar, e todo tipo de amor. E que se jogar da ponte às vezes é a melhor opção.

Estamos habituados a filmes (em especial os blockbusters) nos quais o que assistimos é o acontecimento mais importante (senão o único de real importância) que acontece na vida do protagonista. Antes e depois daquilo pode não haver mais nada de especial. Em A Espiã, Rachel Stein passa por situações fantásticas e tristes também, nos quais temos a tal catarse aristotélica, ou seja, nos colocamos no lugar dela, sofremos com ela, choramos por ela. Essa é uma das funções do cinema. Já em Em Paris a história é outra. O retrato é da vida comum. Um dia pinçado entre tantos outros dias de uma família francesa. Muito mais próximo da gente, como seres humanos, sem ter que passar por dificuldades extremas como Rachel Stein passou, mas sim por problemas cotidianos que aparecem, se resolvem (ou não) e somem, enquanto outros vêm à tona. Talvez por isso o tal sentimento de identificação seja no início mais difícil (pois prefiriríamos estar em uma vida mais enlouquecida do que vivendo o dia-a-dia comum, apesar dos pesares), mas no fim das contas, a vida mais próximas nos faz pensar bem mais em quem somos e no que nos transformamos a cada alegria, a cada desilução, a cada reencontro.

O que parece ser simples às vezes engana e muito. Jogo de Cena (Brasil, 2006) do documentarista Eduardo Coutinho mostra exatamente que a simplicidade se diferencia largamente do simplismo em sua proposta surpreendente: dentre oitenta e três mulheres que responderam a um anúncio colocado no jornal foram selecionadas vinte e três e depois da última triagem sobram oito mulheres de universos sociais e culturais distintos que abrem seu coração para uma câmera e para Coutinho. Porém, não apenas essas mulheres estão em cena: o jogo consiste em atrizes que fazem às vezes dessas mulheres e tentam, como num quebra-cabeça, completar as histórias tristes, engraçadas, tocantes e revoltantes dessas pessoas.

Como você conseguiu ficar duas horas sentado vendo um filme que se resume em câmera, uma cadeira e uma pessoa contando a própria vida?

No início do filme pensei o mesmo: cacete, vou ficar de saco cheio desse filme. Minutos depois eu não conseguia desgrudar os olhos da tela, dos relatos impressionantes delas, que abrem seu coração, como num confessionário, como para um confessionário onde elas podiam dizer tudo o que desejassem. E as atrizes tiveram, segundo elas, o grande desafio de representar não uma personagem criada por um dramaturgo, mas sim vidas reais, sem roteiro, sem linha condutora, mas emoção pura.

A perda de um filho, um parto malsucedido, o pai ausente, o filho malquisto, a vida em São Paulo (o filme tem seu foco em mulheres cariocas), o homem que trai, os laços rompidos, as músicas de antigamente, canções de ninar. De um lado esse caleidoscópio não para de girar até os últimos segundos do filme, que leva ao riso e conduz facilmente às lágrimas. De outro lado, as atrizes (con)fundem seus sentimentos com as dores e os amores dessas entrevistadas. Essa mescla faz um filme simples e belo.

Vale muito a pena.

E também vale conferir o blog oficial do filme. Clique aqui.

E o cinema também faz suas tentativas, muitas felizes, outras nem tanto. Amor não rima só com dor, mas também com alegria. E no filme A Alegria de Emma (Emmas Glück, Alemanha, 2005) fica muito claro a idéia da escritora Claudia Schreiber, que escreveu o livro que deu origem a esse filme singelo, engraçado e emocionante, de que o amor está na entrega e também na abdicação do ser amado. Quem ama liberta, não nega ao outro o pedido de liberdade, de redenção.

Emma, uma mulher independente, mas caipirona, que mora no interior dos cafundós tedescos, se depara com uma situação inusitada em seu quintal: um carro capotado, um homem ferido e um pote de plástico… CHEIO DE EUROS E DÓLARES!

No início do livro ela mostra como é solitária num trecho que traduzo a seguir:

São 23 cineastas e uma cidade. Mas não qualquer cidade, mas uma das mais famosas cidades européias, a Cidade Luz, a Cidade do Amor e das Paixões Arrebatadoras. Mas também uma cidade com violência, mistérios e desajustes. Com desigualdade para os imigrantes, com a tristeza dos seus habitantes. Assim é Paris Eu te Amo (Paris Je T’Aime, 2006), filme que já está há um tempinho em cartaz, mas que vi apenas ontem, numa sessão tardia, no HSBC Belas Artes, cinema que costuma manter bons títulos por mais tempo do que o normal (inclusive, assisti Pequenas Miss Sunshine dias antes de as TVs a cabo o exibirem em seus horários nobres).

(Foto: http://www.redesescarlata.org/)

Morreu ontem, aos 89 anos, o diretor de cinema sueco Ingmar Bergman. Não vou falar nada, pois nunca assisti nada dele (ao menos que me lembre), então vou primeiro me inteirar. É um mestre, de longe se vê. Me sinto alienado ao ver as notícias hoje… (risos).